人物丨行走的艺术史/蒙德里安
艺术让人望而却步的原因之一就是难以理解，并且没有所谓的标准答案。一个典型的晦涩难懂的流派就是抽象派：那些随便画几笔、泼墨的作品，我也能画出来，为什么要被称为艺术，还被卖得那么贵。抽象艺术与古典艺术的最大不同就是在于，它不在认为绘画必须要反映它所在的周围世界的样子，相反艺术家拥有了一块绝对自由的画布，他们可以保证创作只追求纯粹与审美。蒙德里安作为一个20世纪著名的抽象派大师，他的一生就像是一段艺术史，他从栩栩如生的风景画开始，却以单纯的色块、线条结束。他的多彩的艺术生涯也许能为我们说明抽象艺术的美妙之处。
For some people， art is dreadful. It is hard to comprehend and lacks universal evaluation standards. Abstract art is one of the art movements， which are too difficult to understand. People always wonder that those random lines look simple and are easy to draw， so why does it sell at an absurd price? Actually， the most significant difference between abstract art and classical art is： abstract art no longer holds the idea of reflecting the reality. On the contrary， artists obtained unprecedented freedom on pursuing the purity and aesthetic. Artist Piet Mondrian is one of the most influential abstract art masters. His artistic life just like an art history， beginning with the fabulous scenery drawing to the composition of color blocks and lines. His life experience may reveal the attraction of abstract art.
丨风景写生中的抽象萌芽丨
创作前期
蒙德里安出生于荷兰的阿默斯福特城市，是家里第二个孩子。他的父亲是一位绘画老师，所以他很早的时候就得到了绘画启蒙，并经常到盖恩河边写生。那个时候，他的大部分作品沿袭了自然派和印象派的风格，大量地描绘了自然风光。在他描绘家乡田园风格的画中，常常有原野、河流和风车的身影。
▲蒙德里安在荷兰的故居
刚开始他采用了他就读的Hague学校教授的荷兰印象派手法，之后他又尝试了许多的流派和技巧，在不断地失措之中，蒙德里安希望能发现自己的风格。这个时期的作品都见证了一位画家是如何被多个艺术流派所影响，例如点画，以及色彩浓郁的野兽派风格。
▲《靠近运河的游泳者》Bathers near the Canal （1895-1900）
▲《开拓地景色与五只奶牛》Polder Landscape with Group of Five Cows （1901）
当时，荷兰的一位杰出艺术家Jan Toorop向蒙德里安介绍了法国的后印象派风格。梵高炙热的笔触与大胆的用色，还有Georges Seurat用点作画的技巧都给了蒙德里安很多的灵感，让他的作品的产生了新的变化。蒙德里安的抽象艺术意识开始萌芽，他在1905和1908年间创作了许多幅内容相近的画作：在昏暗的天色下，树木与房子被投影在波澜不惊的水面上。这些作品更加引导观者关注形式，而非内容。还有作品《进化》Evolution （1910–11）也是一个很好的例子，这幅作品并列放置了三个站立的人像，这三个人的身体结构与神态都极其相似。这也表明了蒙德里安不再被人最表层的外貌所影响，而是更注重于描绘整体形状与视觉感受。
▲《进化》Evolution （1910–11）
在1908年，蒙德里按开始对俄罗斯哲学家、学者Helena Petrovna Blavatsky在19世纪末发起的神智学协会（theosophical movement）感兴趣，所以在以后他加入了该协会的荷兰分支。该运动的核心思想是创造一个超越种族、性别、信仰的人类大家庭，鼓励对不同的宗教、科学与哲学进行比较与思考，并研究在自然与人类自身上隐藏的真理。除了神智运动，当时同期存在的另一种精神运动：Rudolf Steiner发起的人智学也对蒙德里安产生了深刻的影响。Blavatsky曾提出除了显而易见的实际经验之外，自然中还有一种更为深刻的真理。蒙德里安正是顺着这个角度，不断地追求精神方面的真理。
随着塞尚和立体派画家的快速崛起，荷兰先锋艺术家开始思考与呼吁新的艺术标准，它将突破现有的荷兰传统风景画风格，结合新的艺术趋势。蒙德里安也是荷兰先锋派的之一，所以他立刻响应了这个号召，并搬家到了巴黎。
在移居巴黎之后，蒙德里安的作品中立刻出现了借鉴立体派艺术家毕加索和乔治·布拉克（Georges Braque）作品的特征。他的立体派风格作品中经常描绘了树木与建筑，但是他尽量减少了每个对象的个性与独立，用一种普遍的形状去绘制它们。蒙德里安在这个时期也限制了画作中的颜色，大多是立体派倡导的棕色、灰色和赭色。他也研究了立体派的一贯构图方式，用大块的色块集中填充在画作中心，画布四周留白。
▲《灰色的树》Gray Tree（1911）
▲《彩色平面的组合》composition with Colour Planes 1（1917）
▲《线的组合，第二状态》composition in line， second state（1916-17）
然而蒙德里安并不认为立体派是他最终归属，因为他更希望实现画作的扁平化，而非立体派所强调的三维立体式景深。
1914年蒙德里安重新回到了荷兰，当时正值第一次世界大战爆发，他不得不在家乡生活以避开战乱。在荷兰的第三年与第四年他发表了一篇文章De Nieuwe Beelding in de schilderkunst，在文中他首次阐述了自己的艺术理念：我在一个平面上建构我的线与颜料，抒发出我认知范围内最为共通的美。自然给予我灵感，就像其他画家一样，给了我一个充满情绪的状态去创造一些东西。我想要尽可能地去接近真实，抽象出万事万物的基本。
我相信这个想法是可实现的，通过有意识地组合水平与垂直的线条，我从不计算，只是凭着内心的直觉，以创造出最重的和谐与韵律。这种最根本的美丽，如果必要的话，可以用连线与曲线补足，最后形成一件最为真实的艺术品。
丨逐渐成熟的抽象理论丨
创作后期
随着蒙德里安逐渐成熟的艺术理论，他的创作也进入了成熟阶段。他从周围的环境中抽象出最基本的元素：水平与垂直的元素，这两项分别代表了两个根本的对抗力量：积极与消极，运动与静止，男性化与女性化。在他画作中，观众可以体会到一种平衡感，这也正是蒙德里安想要传递出的宇宙中各种力量的均衡规律。
1918年第一次世界大战结束之后，蒙德里安回到了法国并且一直在那里呆到了1938年。战后的巴黎就像一个容器，里面各种不同的艺术流派互相撞击、交流、并发生反应。巴黎高度自由的创作环境给了蒙德里安追求极致的抽象基础。
▲蒙德里安的工作室
他的抽象艺术在刚开始的时候，采用了较细的线条去构建长方体，而且他用的是灰色，而非之后闻名遐迩的黑色。线条在向画布的边缘延伸的时候会逐渐变淡，而不是突然停止。和成熟阶段相比，画作中元素的尺寸更小，数量更多。他将大部分的空白区域大多用黑色、或者灰色填充起来，只有少量的留白。
在1921年的时候，大部分蒙德里安的作品中的黑线不再延展到画布边缘，而是延伸一段距离后停止。但是大多数的长方形区块仍被颜料填满。随着蒙德里安继续发展自己的风格，他又重新把线条延展到画布边缘，并且被填充的有色色块变少，留白区域变多。如果你仔细观察蒙德里安的作品，你会发现他不断变换自己的手法，而且细心地处理了一些细节部分。例如，黑色的线条是最为扁平的，厚度也最小。彩色色块上则有更加明显的笔触，都朝着同一个方向涂抹。最有趣的时白色部门，蒙德里安涂上了好几层的白色颜料，并且每次都变化涂抹角度。
▲《组合No.2》composition No.II（1920）
▲《表1》Tableau I （1921）
▲《表1 菱形与四条线与灰》Tableau I Lozenge with Four Lines and Gray （1926）
在1940年8月，蒙德里安离开了欧洲，前往美国。在纽约麦哈顿生活的时间里，蒙德里安发掘出了新的创作灵感，虽然这一系列新画作因蒙德里安的去世而戛然而止。其中的一个经典画作为New York City（1942）， 这幅画作由红色、蓝色和黄色的线组成，它们有时会相交以呈现出以往的作品中没有的厚度感。另一幅作品Broadway Boogie-Woogie （1942–43）现被收藏于MoMA， 这幅画也深深地影响了后世的抽象几何绘画的艺术教育。这幅作品由一些系列明亮的小方块组成，就像在画布上轻快地跳跃着一样，让观众想起纽约街头的那些炫目的霓虹灯光。在蒙德里安没有完成的画作Victory Boogie Woogie （1942–44）中，我们得以窥见艺术家创造出的全新的表达方式，他不再使用之前的实线形式，而是用一些色彩小方块并列起来变成一条线。他会使用纸质胶带覆盖不同的色块，给了整个画作全新的触感。与蒙德里安在1920-30年间带着严谨科学态度的画作不同，纽约时期的画作似乎释放了作家内心中的旋律，明亮、具有生机。蒙德里安似乎在描绘着他所处的纽约市，永远朝气蓬勃，永远新鲜，就像一首昂扬的音乐。
▲《胜利的布基乌基》Victory Boogie Woogie （1942–44）
在71岁的时候，蒙德里安因为患有肺癌，与世长辞。蒙德里安的一生可以说，都献给了他心目中的艺术，他孜孜不倦地追求着艺术的纯粹性与规律。他终身未婚，并且生活简朴只有少量的生活用品。
丨风格运动的领军者丨
提到蒙德里安，绕不开的话题自然是他代表的抽象艺术。但是，正如引语中所提到的，抽象艺术也是被公众所理解、甚至被误解最多的艺术形式之一。实际上，抽象艺术与我们的认知范围只有一步之遥。理解蒙德里安所代表的抽象艺术，需要把它放到一个艺术史的大框架之中处理。
从易于理解的具象型艺术，例如古典主义，到晦涩的抽象型艺术之间有一段逐步发展的过程。第一步是印象派，着重体现光影的效果与整体氛围。现在大家基本上都能接受印象派的风格，莫奈更是大名鼎鼎。第二步是后印象派作品，例如梵高、塞尚。他们认为画作除了能展现出物像光影效果，也能抒发画家的主观情感与感受，或者揭示一些物像的本质。例如塞尚的艺术就以科学探索为主旨，想要体现客观对象内在的、有共通性与普遍性的形态结构。还有高更的作品，它使用平面化的造型和装饰性的色彩来表现象征性的主题，体现了对人类终极命题的思考：我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？
由此，西方艺术的写实绘画体系进一步崩溃。艺术不用再为宗教、为政治而服务，变成了艺术家的一块净土与极度自由的空间。抽象艺术就是“为艺术而艺术”思想的极致，不再像它之前的艺术一样是描摹现实之景（mimicking）。与同期的哲学思潮（存在主义，当代佛学等等）一样，抽象艺术家们认为这些我们所见到的现实是一种表象（appearance），而与此同时，真相（truth）却恰恰承载于一切表象之中。抽象艺术家各自用自己的理解和方式，尝试将这“真相”从“表象”中“抽象”（abstract）出来。
而德里安作为抽象艺术的领军人物，除了他自身的简洁到极致的作品为抽象艺术作了背书，他也成为了抽象艺术运动的发起者之一。
在1917年，蒙德里安与其他三位画家Theo van Doesburg， Bart van der Leck， 与Vilmos Huszar一拍即合，成立一家艺术杂志社，并且发动了De Stijl（风格）运动。他们主要呼吁彻底拒绝，仅停留在视觉感知上的、对现实世界的描述。它支持用一种彻底的抽象方式去展现艺术的和谐与秩序。所以他们建议重构绘画语言，让最基本的元素——直线，基本颜色（红黄蓝）与中性颜色（黑、白、灰）成为主角。
▲《风格杂志》De Stijl
在他们的艺术杂志De Stijl上，蒙德里安是第一版的主要贡献者，他在其中详细介绍了自己的视觉理论，因此这本杂志的初期内容可以说是呈现蒙德里安的艺术思想的舞台。蒙德里安为自己的线与颜色新理论起了一个名字neoplasticism（新塑料主义），他认为不应当从破碎的事实中提取出艺术作品，而是从抽象的角度理解整个自然，几何与颜色则是最有效表达出这种精神意义上抽象式真理。蒙德里安和他的志同道合者们创造了一种独立的现代主义观点，和巴黎兴起的现代主义产生了分歧。该运动主要影响了一大批荷兰的艺术家、建筑师和设计师。
丨跨领域抽象价值缔造者丨
与一些生前从未得志，郁郁寡欢而终的艺术家不同，蒙德里安无疑是幸运的，他的作品在他还在世的时候就受到了欢迎。
1910年，在阿姆斯特丹举办的St. Lucas展览中，蒙德里安的作品开始获得了荷兰国内的关注。第二年，他向在巴黎举办的Salon des Indépendants展览提交了他最为抽象的一幅作品，自那时起他开始走出国门，受到更多人的认可。然而由于蒙德里安的作品风格自成一派，与当时的超现实主义和巴黎达达主义不同，他更注重于用新塑料主义风格，清晰地表现出纯净与宇宙间的和谐。所以，直到1925年，蒙德里安对于当代艺术的贡献才得到统一的认可，并且他的作品拥有了一批富有的欧洲与美国的拥趸。
蒙德里安作为抽象艺术的领军人之一，影响深远、广泛，甚至跨越了艺术界，延伸到了建筑界、时尚界等。
时尚设计师伊夫 圣罗兰的1965年秋季设计就是用蒙德里安的名字命名的。圣罗兰设计的连衣裙，就如蒙德里安的画作一样，由大块的基础色块（红、黄、白等）以及黑线组成。该系列获得了很大的反响，衍生出更多的时尚作品，如大衣、靴子。
蒙德里安的作品还直接影响了建筑界的包豪斯流派，他作品中的极度简单的线条与颜色搭配与包豪斯所倡导的简约现代建筑风格不谋而合。以及蒙德里安的追求各个方面的和谐的设计理念也给予了包豪斯以灵感。
▲圣罗兰设计的连衣裙
▲包豪斯建筑风格发源地
最后我们可以用蒙德里安的一句话来重新回顾他的艺术主张（1914）：艺术高于现实，而且并不直接与现实相关。为了在艺术中寻找精神追求，人必须要尽可能地减少对现实世界的描绘，因为现实与精神是两个反义词。在抽象艺术中，我们可以找到我们自己。艺术理应高于现实，否则它对人类就毫无价值
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